La luz en el arte: Percepción y uso de la luz en la Historia del Arte

Título original:

Light in Art: Perception and the Use of Light in the History of Art

Contenido del libro:

Rebosante de ilustraciones, este libro asombrosamente original presenta el papel de la luz en el arte a lo largo de la historia. Este libro profusamente ilustrado lleva a los lectores a un recorrido por la historia del arte para aprender cómo los artistas han utilizado la luz (y su ausencia como sombra) para hacer una declaración sobre su tema o crear un estado de ánimo específico, con ejemplos de maestros como Giotto, Botticelli, Caravaggio, Vermeer, Courbet, Turner, Klimt y muchos más, así como enfoques teóricos que comienzan con Platón y Aristóteles, pasando por Descartes, Newton, Goethe y Chevreul.

A lo largo de la historia, los artistas han jugado con la luz, abordándola a la vez como tema y como herramienta para crear la atmósfera deseada, transmitir ideas e inspirar emociones en el espectador. En los frescos medievales, los rayos de luz representaban la presencia de lo divino, mientras que los pintores holandeses del siglo XVII utilizaban la luz para indicar profundidad y construir un escenario impactante. Los impresionistas querían representar la luz en sí misma y el modo en que juega con las superficies de los objetos en forma de color.

La fotografía y el cine han utilizado la luz, tanto natural como artificial, para hacer visibles las cosas en primer lugar. Este volumen profundiza en estos y muchos más temas y constituye un libro de consulta perfecto para artistas, estudiantes, estudiosos y amantes del arte.